REGATO2O8

Mínima de Marcela Armas

2011-07-23T12:14:00.000-07:00

Mínima de Marcela Armas fue una exposición que entre muchas otras cosas puede definirse como memorable. Siguiendo con la linea del post "Los viejos tiempos siempre fueron mejores" donde les comento de la expo La hora feliz de Leonardo Ramírez que se presentó en la ciudad de Durango cuando el IMAC estaba en el barrio de Analco. Pues justo fueron las exposiciones Esculturas dinámicas de Gilberto Esparza y Mínima de Marcela Armas con las que oficialmente el IMAC abrió al público en su nueva dirección en la calle de Independecia, en el centro de ciudad alacrana, donde en vida tuvo su hogar Olga Arias. El mismo día tuvimos invitada a Taiyana Pimentel como conferencista hablando de arte contemporáneo. No se me olvida que levantó ampollas entre la distinguida concurrencia mostrando el trabajo de Teresa Margolles, Santiago Sierra y Minerva Cuevas (jo jo jo).

El asunto es que el día de ayer estuve tomando unas chelitas con esta bonita pareja (Marce y Gil) y por supuesto el recuerdo del asunto se me vino a la cabeza.

Les dejo el texto de la hoja de sala y algunas fotitos.

MÍNIMA / Marcela Armas

Exposición escultórica

4 a 25 de agosto de 2006

Instituto Municipal del Arte y la Cultura de Durango

Salón de proyectos

Hablar de la obra de Marcela Armas obliga, por sus características, a hacer una pequeña introducción a las dinámicas del siempre polémico arte contemporáneo.

El arte se ha legitimado en la tradición occidental por la destreza. Había una iconología y un oficio para representarlo hasta alcanzar la excelencia. Antes el arte era más lento, casi moroso, de legitimación más objetiva. Ahora el argumento es distinto, si uno es capaz de incidir en la sensibilidad contemporánea ya es artista. La historia ata y el arte requiere de libertad. El arte se desgasta cuando se banaliza y por tanto las exposiciones no deben ya mostrar objetos, sino ideas y la razón fundamental para hacerlo es “el agotamiento de la fe en el carácter objetivo, calculable y mensurable de la 'belleza'; la emancipación de la obra de arte de su subordinación a lo naturalmente bello, con la relativa obtención de una autonomía estética y la creación de nuevas y eficaces 'representaciones sociales de la memoria'” *. Toda manifestación artística es breve por necesidad, sólo se entiende en un continuo estado de crisis. Cuando se extiende demasiado en el tiempo acaba transformándose en estilo y perdurando como norma. “El arte no muere en la crisis, sino en el éxito.” **

Mínima, como cualquier otra exposición, es por un lado, “una práctica que incluye la selección y evaluación de las obras seleccionadas, y por otro, un sistema de significados compuestos por una serie de afirmaciones o expresiones: el de las obras individuales. Estos significados son simultáneamente atrapados por los títulos, ámbitos y comentarios de la exposición y a la vez liberados y diseminados por el propio proceso de articulación. No hay que olvidar que, aunque la exposición se sitúa en un contexto determinado, se desarrolla en una disposición espacio-temporal fundamentalmente abierta, en la que el espectador puede seguir un discurso, o parar y volver atrás cuando lo juzgue necesario.” ***

Mínima de Marcela Armas, es una exposición integrada por diez piezas pequeñas que en un principio parecen herméticas, y lo son, puesto que capturan momentos íntimos vividos por la autora que no pueden ser descifrados en su totalidad por el espectador. A medio camino entre la escultura y el ready-made y muy cercano, entre otras cosas al arte povera, Marcela estructura un discurso, elaborado hasta el exceso, valiéndose de signos extremadamente sencillos que se vierten en la construcción de objetos, los cuales son como pequeños instantes capturados en las piezas que tenemos enfrente; un ancla o referente a algo que en realidad no vemos y nos habla de otra cosa, más trascendente, a través de un pequeño símbolo. Al mismo tiempo se mantienen duras, enigmáticas y poco dúctiles. ¿Cómo es, entonces, que estos objetos pueden ser leídos? La respuesta nos la da la intuición… la obra de arte permanece inconclusa hasta que el espectador la completa valiéndose de sus muy particulares referentes. Así la pieza se expande y encuentra múltiples sentidos, se le deja libre para que encuentre su propia identidad, que es aquella que el espectador decide darle.

Indudablemente una explicación de cada una de las piezas sale sobrando, puesto que acota y limita las posibilidades de lectura que se pueda tener de la obra, pero un pequeño comentario de alguna de las cosas que pueden contemplarse en los objetos expuestos puede servir de sugerencia, que indudablemente, si el espectador así lo decide, puede ser descartada.

Marcela Armas Lozano

1. Abrir con cuidado / open carefully

Tapa de lata

6.5 x 8 x 2 cm

2004

...el riesgo de corte que lleva consigo un borde afilado.

Marcela Armas Lozano

2. Estanque

Tapa de aluminio

15 x 15 cm

2005

Desperdicio convertido en poesía… una piedra cae en un estanque.

Marcela Armas Lozano

3. 602 cm2

Hoja de papel bond tamaño carta

2.8 x 1.9 x 2.4 cm

2005

Cómo un espacio limitado para contener lo infinito.

Marcela Armas Lozano

4. Hoja supernova

Hoja de papel bond tamaño carta

Medidas variables

2005

Se representa la belleza, en una escultura prácticamente bidimensional y cercana a lo pictórico, una simple hoja de papel y la acumulación de orificios… una emulación del oficio y dedicación del pintor académico.

Marcela Armas Lozano

5. Jabón sumergido

Barra de jabón

14 x 6 x 2 cm

2005

Un exitoso uso de la sinécdoque, una invitación a rellenar los vacíos, a completar lo faltante.

Marcela Armas Lozano

6. Piel corazón

Cebolla

Medidas variables

2004

Un objeto cuyo exterior es exactamente igual a su interior… si se vislumbra una moraleja es mera coincidencia.

Marcela Armas Lozano

7. Lápiz

Medidas variables

2005

El todo, la suma de sus partes el ansia infantil de saber de qué están hechas las cosas.

Marcela Armas Lozano

8. Indio descuartizado

Etiqueta de cerveza

Medidas variables

2005

Similar a la pieza anterior, el goce de desarmar y reconstruir. La belleza clásica, la retícula, la estructura…

Marcela Armas Lozano

9. Restos

Aluminio

Medidas variables

2005

La materia prima desechada, un insecto muerto…

Marcela Armas Lozano

10. Recordatorio

Pañuelo de papel

Medidas variables

2005

El rescate de un objeto cuando no sirve más… el ansia… la reliquia… el fetichismo…

Otro tipo de interpretación de las piezas es también valido, sólo hay que superar la dificultad que representa el hecho de que algo realizado con materiales sin valor pueda estar cargado de nostalgia, belleza, romanticismo y un largo etcétera.

Por otra parte, la lectura en conjunto de las piezas es distinta. Ésta es una exposición de ideas, muy sencillas, muy contundentes. Las piezas agrupadas se despojan de la humildad que su propia naturaleza presupone. Dejan atrás la belleza de lo cotidiano, dejan de ser momentos preciosos. Lo que importa es la idea y la posibilidad que ésta otorga al objeto artístico a partir de cosas mínimas y Marcela Armas lo demuestra no una ni dos, sino diez veces. La exposición Mínima se convierte en una dura crítica a la medianez y sensiblería del arte burgués, tan apreciado en Durango. Las humildes piezas se llenan entonces de soberbia, se colocan en la posición de hacer juicios de valor (aunque los son objetos no sean capaces de tal cosa). Así, la obra se convierte en una declaración o manifestación de una forma de estar en el mundo, la de la artista, la del curador, la del espectador… alguna de las tres o todas ellas.

Una vez más otro tipo de lectura es posible, y la museografía así lo sugiere… lejos de los pedestales, vitrinas y paredes del museo o galería (kunstkammer) y más cerca del gabinete de historia natural, de la mesa de disección, del taller del artesano, del “cuarto de maravillas” (wünderkammer), se hace al espectador una invitación a la contemplación y al análisis, a que ponga un poco de sí mismo dentro de la obra.

Jorge Armando Ortega del Campo

*. BODEI, Remo, “ 'Tumulto de criaturas congeladas' O sobre la lógica de los museos”, El museo: historia, memoria, olvido, Fundación José Ortega y Gasset, Madrid, 2006, pg. 28.

**. BORJA-VILLEL, Manuel J. “Los límites del museo”, Els límits del museu, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona, 1995, pg. 212

***. Ídem.

...el recorrido inaugural con los entonces alcalde de Durango, Jorge Herrera Delgado, y directora del IMAC, Corín Martínez Herrera.

Jorge Herrera Delgado y Taiyana Pimentel escuchando los comentarios del público sobre la obra :)

Y por supuesto, espectadores hojeando nerviosamente el folletito.

y AQUÍ se puede descargar la nota publicada en el Siglo de Durango

Non Compos Mentis

2011-07-22T12:40:00.000-07:00

Non Compos Mentis es una exposición curada por Bárbara Peréa que se presentó en Centro Cultural Border el año pasado y luego fue llevada a León, Guanajuato donde se presentó en la Sala Jesús Gallardo del Instituto Cultural de León.

Luego podrán leer por aquí el texto y ver algunas fotos del montaje. "Por lo mientras" aquí les dejo un enlace a una nota publicada por DaWire que me pareció una lectura sensacional.

Non Compos Mentis at Border,
curated by Bárbara Peréa.

Jorge Ortega del Campo
Objeto inútil 7: Prayers (detalle), 2009
Sierras de acero fotograbadas, baño de oro de 24 k
ø 25.5 y 18.5 cm

Producido con apoyo del PECDA Durango

Y por AQUÍ se puede consultar el texto en español.

La señora desatanudos

2011-07-21T14:16:00.000-07:00

Pues éste es mi trabajito más reciente y probablemente se convierta en una serie. La intencion es reinterpretar (muy libremente) advocaciones de santos cristianos pensando en algo así como entidades "primigenias" o cósmicas que resultan en un megamix de atributos que ya se han visto en otras partes.

Esta imagen fue inspirada por la advocación mariana de Nuestra Señora desatanudos.

Pequeños monstruos / Ejercicios de escultura blanda

2011-07-20T11:55:00.000-07:00

Pequeños monstruos / Ejercicios de escultura blanda es un proyecto que presente hará un par de meses buscando el apoyo del Programa Estatal de Estimulos a la Creación que otorga el Instututo de Cultura del estado de Durango. Cómo resulté beneficiado por el mismo me parece un excelente tema para retomar este blog que he tenido en el olvido los últimos tres años y medio.

Así fueron publicados los resultados.

Por cierto, muchas felicitaciones a Marcela Armas, soy su fanfromhell numero 15873.

Y pues aprovechando este espacio que ha estado tan descuidado aquí les presento de qué va el proyecto:

PEQUEÑOS MONSTRUOS
EJERCICIOS DE ESCULTURA BLANDA

Antecedentes

Debido a mi formación como diseñador gráfico, mi obra se ha caracterizado por el empleo de sistemas de producción industriales o digitales y técnicas tradicionales del diseño como: impresión con inyección de tinta, láser, plotters de impresión y recorte, offset, serigrafía, etcétera; en general soportes para imágenes digitales retocadas e ilustraciones vectoriales. Hubo algunos casos aislados de arte objeto, pero la mayoría de ellos podían o debían ser manufacturados por terceros.

Buscando nuevas soluciones y posibilidades en mi trabajo comencé a experimentar con la intervención directa sobre las piezas, recurriendo a oficios tradicionales que me permitieran trabajar la obra con las manos; recurso sobre el cual fundamenté la producción del proyecto Objetos Inútiles (PECDA, jóvenes creadores, artes visuales, Durango, 2008), donde hubo objetos pirograbados, pintados, cortados, huecograbados, recubiertos en metal, etcétera, lo que representó para mi obra nuevas cualidades expresivas, distintas de la frialdad y acabados perfectos que caracterizan a los sistemas de producción electromecánicos.

Ya antes de Objetos inútiles, tuve un acercamiento con la técnica japonesa de tejido llamada amigurumi, que consiste en tejer pequeños objetos tridimensionales mediante crochet o ganchillo, la cual conocí durante la investigación realizada para el proyecto Katari-be (PECDA, jóvenes creadores, artes visuales, Durango, 2006) que abordaba tratamientos estéticos de la cultura japonesa. De ahí surge el interés del empleo de técnicas y oficios artesanales para la producción de obras de arte.

Revisando mi producción como artista, me encontré con unas piezas que realicé durante 2004; una pequeña serie de esculturas elaboradas con tela que produje para una exposición que llevaría por nombre Nuevo gabinete de historia artificial, cuya idea era presentar piezas que tuvieran posibilidades de articularse con otras formando una Wunderkammer: cuartos de maravillas o gabinetes de curiosidades que designan los lugares en los que, durante los siglos XVI y XVII, época de las grandes exploraciones y descubrimientos, se coleccionaban y presentaban una multitud de objetos raros o extraños, representantes de los tres reinos de la naturaleza considerados en la época: animalia, vegetalia y mineralia; además de realizaciones humanas. Dicho proyecto jamás se concretó y estas piezas terminaron exhibiéndose en un proyecto llamado Housewarming. La serie mencionada, llamada Pillowpals, fue elaborada pocos días antes de viajar por estudios a Barcelona, y al regresar ya no le dí continuidad por presentárseme otros proyectos. Esta serie, sin embargo sirve como idea generatriz del proyecto Pequeños Monstruos.

Como consecuencia de todos estos antecedentes, y buscando que mi producción artística manifieste continuidad y coherencia, durante 2009 comencé a trabajar con el tejido a ganchillo para la producción de objetos-esculturas. Las formas resultantes, de claros referentes orgánicos, y con rasgos animaloides indeterminados dieron casi por sí solos la línea que debería seguir.

A continuación se muestran los ejercicios realizados:

Jorge Ortega del Campo

Gusano, 2009

Estambre acrílico, relleno sintético.

130 x 35 x 35 cm

Jorge Armando Ortega del Campo

Larva, 2009

Estambre acrílico, relleno sintético.

130 x 35 x 35 cm

Jorge Armando Ortega del Campo

Bacteria, 2009

Estambre acrílico tejido a ganchillo, relleno sintético.

110 x 50 x 50 cm

Tras haber trabajado con tres ejercicios de formato mediano, comencé a desarrollar una escultura de dos metros de diámetro cuyo proceso de elaboración duró casi un mes. El considerable tiempo de producción me hizo pensar de que la escultura se estaba gestando, como un organismo vivo, de modo que el proceso y las horas invertidas en tejido tomaron una diferente carga simbólica. A partir de esto la documentación y registro del “desarrollo” de la pieza se vuelve parte sustantiva del proceso.

El resultado es el siguiente:

Jorge Armando Ortega del Campo

Virus, 2009

Estambre acrílico tejido a ganchillo, relleno sintético.

220 x 220 x 50 cm

Al realizar el quinto y último ejercicio, el objeto tejido ya no fue un “bicho” genérico, sino una especie particular: Un gusano parásito que se aloja en el corazón de los perros llamado Dirofilaria Immitis o gusano del corazón. La idea fue representarlo formalmente con un grado de iconicidad suficiente para poder reconocerlo. Esta pieza, que resultó seleccionada en el XXX Encuentro Nacional de Arte Joven y estuvo itinerando por la república desde 2010 hasta julio de 2011, marca la que será la pauta a seguir en el presente proyecto, buscando reproducir formas específicas y no simplemente formas abstractas con parecido algo vago con seres vivos.

Jorge Armando Ortega del Campo

Gusanos del corazón (Dirofilaria immitis), 2010

Estambre acrílico tejido a ganchillo, relleno sintético, armazón metálico.

medidas variables 200 x 80 x 40 cm aprox.

Todo lo anterior: a) La producción manual de las piezas, b) la serie de esculturas blandas Pillowpals, c) El Wunderkammer, d) el tejido a ganchillo (amigurumi) y sus posibilidades para construir objetos tridimensionales y e) los cinco ejercicios escultóricos desarrollados con esta técnica son el antecedente directo del proyecto Pequeños monstruos que ahora presento a consideración de la Comisión Técnica del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico.

Descripción del proyecto

Pequeños monstruos es un proyecto escultórico de producción y exposición en proceso que consiste en la elaboración de una serie de doce esculturas blandas tejidas a ganchillo de formato mediano (menor de 100 cm) y grande (mayor de 100 cm). Estas doce esculturas son distintas a los cinco ejercicios que les anteceden y pertenecen a una serie diferente.

La temática formal de las esculturas será la de parásitos del ser humano, entendiendo como tales a los seres vivos dependientes metabólicamente de su hospedador y no beneficiosos para el mismo. Para el caso entran en esta definición virus, bacterias, hongos, plantas y animales.

Las piezas usarán a los parásitos como inspiración formal, sin la finalidad de aludir a su comportamiento. No se realizará con ellas ninguna acción performativa.

En concreto, las piezas obtenidas al llevar a cabo este proyecto serán interpretaciones de la forma del cuerpo de algunos parásitos, construidas a través del tejido, buscando que resulten en una forma bella, orgánica y fluida; serán esculturas cuya estilización y nivel de abstracción permita resignificar al original permaneciendo éste reconocible.

Justificación

Todos los seres humanos manifestamos desde la primera infancia temores que pueden o no ser racionales y que normalmente van menguando de intensidad mientras crecemos. En mi caso particular, una de las cosas que más me atemorizan son los parásitos. Dicho temor detonó tras haber visto un documental en televisión sobre una especie de mosca cuyas larvas incuban dentro del cuerpo humano, justo debajo de la piel. Al ir conociendo más ejemplos del comportamiento parasitario mi aversión por este llegó al extremo y se convirtió en un miedo que no he podido superar incluso siendo un adulto. Por esta razón, la solución formal y la temática de estas esculturas no son un simple pretexto. El acto creativo se convierte en terapia y proceso de catarsis. Si bien la temática es muy particular, los temores infantiles son algo con lo que todos podemos identificarnos. La reflexión que se propone hacer sobre el miedo y la superación del mismo es lo que dota a este proyecto de pertinencia y universalidad.

La intención del proyecto Pequeños Monstruos es esculpir (o moldear o construir) las formas de algunos de estos seres detestables en materiales suaves y cómodos; valiéndose de los recursos semánticos del diseño y de las posibilidades creadoras de los oficios para convertir a esas pequeñas monstruosidades en objetos hermosos y atractivos, que inviten al tacto y al disfrute estético por sus cualidades formales y visuales, convirtiendo el desagradable referente de estos seres que viven cómodamente en el interior cálido y suave de su anfitrión –y a costa de éste–, en un objeto de deseo y confort, también cálido y suave. Todo esto es un ejercicio de búsqueda y hallazgo de belleza en lo terrible –como hicieron Yacine M'Seffar en su serie de fotografías de insectos metálicos e Yvonne Domenge al materializar un monumental virus de influenza AH1 N1 en el Instituto de Investigaciones Biomédicas de la UNAM–, no se trata de hacer un monumento al origen del miedo, sino de enfrentarlo, analizarlo formalmente y, simbólicamente, metabolizarlo.

Todo esto manifiesta, además del discurso conceptual del proyecto Pequeños Monstruos, un importante factor discursivo estético. La belleza se entiende como el valor general de la estética y aunque no es muy sencillo definirla es posible afirmar que se siente o se percibe en el arte a través una variedad de valores y antivalores, como son: la ironía, la pulcritud, la tersura, la exquisitez, la delicadeza, lo trágico, la fatalidad, lo siniestro y, en este caso específico, lo monstruoso como antivalor.

Fuera de los antecedentes en cuanto a piezas textiles o tejidas, como podrían ser las obras de Marta Palau o de Daniela Edburg, en México, Dave Cole y el colectivo Gelitin, o esculturas blandas de otros materiales, como las de Roberth Morris o Claes Oldenburg en el extranjero, este proyecto, además del resultado escultórico, se centra en el proceso y en la exploración de otras situaciones no meramente formales como podrían ser referentes maternales y gestacionales, asociando el embarazo con el acto de tejer ropa para el niño por nacer; incluso los colores que busco en el material son tonos pastel. Se aborda la posibilidad de encariñarse con un ser inicialmente repulsivo, que se convierte, al terminar la obra, en algo atrayente, suave y –¿por qué no?–, abrazable; purgando de este modo aversiones de la infancia profundamente arraigadas. Así, este ejercicio creativo, termina siendo no sólo un acto de creación, sino también de construcción, en contraposición con las técnicas y hábitos de devastación del referente parasitario, así como un modo de trascendencia y superación del miedo adquirido en la infancia y, por último, simbólicamente, un nacimiento.

A diferencia de otros proyectos en los que he trabajado, el tiempo de planeación, bocetaje y concepción de la pieza será mínimo; el tiempo que debe invertirse aquí es casi exclusivamente de elaboración. Será un proceso radicalmente distinto al que he estado habituado, donde las obras generadas en la computadora resultan en objetos de acabados perfectos que se maquilan en apenas unos minutos y que siempre manifiestan cierta frialdad. En este proyecto, por el contrario, durante todo el proceso interviene el factor humano. Serán piezas realizadas íntegramente con mis manos, sin que de esto resulte una competencia entre oficio y discurso y que, por el contrario y gracias al concepto del proyecto, ambos sumen para el resultado final.

Los viejos tiempos siempre fueron mejores...

2007-11-29T20:51:00.000-08:00

Este post se refiere a una de las exposiciones presentadas en el Instituto Municipal del Arte y la Cultura, cuando recién comenzaba el proyecto 2A Arte Actual, que ahora parece estar tres metros bajo tierra (Dios lo tenga en su gloria).

La exposición titulada La hora feliz, es, según mi particular punto de vista, el proyecto más interesante de los que se han presentado en los últimos años en las salas del IMAC.

Helo aquí-

LA HORA FELIZ

Pintura y dibujo de Leonardo Ramírez González

23 de junio a 14 de julio de 2006

Sala Guillermo Bravo

Instituto Municipal del Arte y la Cultura de Durango

Durango, Durango

La hora feliz no es precisamente una exaltación del todovale frecuentemente encontrado en el arte contemporáneo, aunque sin duda es un proyecto fruto de las circunstancias. Verán, hace años que Leonardo Ramírez planeaba una exposición de piezas pintadas directo sobre el muro, mucho antes del boom que ahora podemos ver en algunos museos y galerías del país. Sin embargo lo único que estaba claro en este proyecto era el soporte, lo que se necesitaba era contenido, un pretexto.

Antes de contarles más de esta exposición he de ponerlos en antecedentes sobre la obra de Leonardo. Siendo él un artista multidisciplinario cuya obra permanece en constante cambio y experimentación, encuentro solamente un común denominador en su trabajo: utilizar como materia prima algo que no fue concebido para la función en la que el artista lo coloca, y si esta materia prima es gratuita tanto mejor.

Después de años de conocer la obra de Leonardo la he nombrado –siempre a sus espaldas, of course –Arte Rapiña, puesto que se apropia compulsivamente de signos de otros artistas, como en su pieza La mascota preferida de Gabriel Orozco, que es un cerdo pintado sin la parte central de su cuerpo, emulando el Citroën, o la copia del objeto usado en la pieza Mis manos son mi corazón que usaba como pisapapeles en su despacho; apropiándose también de material de su oficina como en los cuadros de la serie Doméstica, hecha con fotocopias tomadas en el trabajo, o los vestidos de masking tape realizados con rollos y rollos de cinta incautada a la Universidad de Guanajuato. Detalles por el estilo me hacían pensar en que su proceso creativo comenzaba una vez que su urraca interior se había apoderado de algún guijarro brillante.

La hora feliz comienza más o menos así; con el hallazgo de un folletito/historieta en la calle Altavista en el DF. En este folleto se narra, según el propio Leonardo: “una lacrimógena historia de una familia desintegrada por la adicción al alcohol para posteriormente redimir a parte de sus protagonistas en una historia de amortz, reunificación familiartz y religión.”

Una vez que el folleto apareció paso a ser diseccionado por el artista, iniciando un proceso exhaustivo de cortar y pegar, generando una suerte de cadáver exquisito, conjugando en una misma hoja de papel diferentes fragmentos del folleto; sacando de su contexto original los trazos y dibujos primarios para colocarlos luego en el blanco e inmaculado cubo de la sala de exposiciones, un contexto radicalmente diferente y usualmente legitimador.

Regresemos a la idea del pretexto ¿Era necesario un tema como la redención de los vicios, leit motiv de la comedia, donde el protagonista resulta redimido una vez que el proceso de purificación ha sido sorteado? Yo en lo particular opino que no. En este caso el discurso de la obra no sigue un guión narrativo, por lo menos no el que el folleto sigue, y esta temática etílica sirve solamente como pretexto para el alarde de las cualidades formales del dibujo y del proceso creativo del cual es resultado. La obra exhibida en La hora feliz nos presenta el continente por el contenido, la cáscara por el fruto, pura esencia de la posmodernidad y, una vez más, el empleo inadecuado de la máxima de McLuhan: “El medio es el mensaje”. Así, esta exposición, este pretexto, se convierte en una reflexión acerca del dibujo y pone en evidencia su capacidad de transmutar el sentido primario de las cosas; en este caso, a través de la ironía o incluso de la descalificación del material que dio origen al proyecto (y entre líneas ridiculizando los excesos del mainstream y los dimes y diretes del mercado del arte).

La obra que ahora contemplamos, gracias en gran parte a las reducidas dimensiones de la sala, no nos satura de sensaciones artísticas. Es evidente por el tratamiento formal de las piezas que la intención del autor no es discurrir sobre el oficio de dibujante ni sobre la destreza técnica a la obra, por el contrario se abunda sobre la búsqueda y el hallazgo de estímulos visuales a través de hechos completamente fortuitos –una vez más el descubrimiento del folleto –para transformar los signos visuales propiciando la libre interpretación de los mismos por parte del espectador, sin pautas externas que le digan cómo es que la obra debe ser interpretada. ¿Dónde queda entonces la intervención del artista? Simplemente en el empleo de una retórica distinta a la del material original. La elocutio gráfica se manifiesta a través de pocas y sencillas figuras: sinecdoque, hipérbole e hipérbaton, lo suficiente como intervención y lo justo como interpretación.

El resultado de la exposición es, para el espectador duranguense (el contexto una vez más es primordial), una experiencia estética inusual que se genera a partir de la realización de las piezas in situ, donde el artista utilizó para el desarrollo del proyecto sólo su intuición como hilo conductor y se aproxima a una experiencia teatral, fundamentada en la improvisación, donde el resultado final no puede ser anticipado ni siquiera por el autor, sino solamente experimentada por el espectador una vez que la obra está terminada.

Jorge Ortega del Campo

¿Habrá esperanza para mí?
pintura sobre muro
medidas variables
2006

Tres años después
pintura sobre muro
medidas variables
2006

Apuntes

fotocopias y masking tape
medidas variables
2006

De la serie
La hora feliz
grafito sobre papel
20 piezas de 42x59 cm
2006

Aquí la ceremonia de inauguración... muy divertido, recuerdo, que de coctel hubo café y donas.

Aquí la Lic. Carmén Ruiz (amiga entrañable) de maestra de ceremonias. A sus espaldas un servidor (hace 10 kilos), el director del ICED , Luis Ángel Martínez Diez y la entonces directora del IMAC, Corín Martínez Herrera.

Aquí el maestro Leonardo Ramírez, dirigiendo unas palabrillas al respetable.

Aquí el rancherísimo corte del listón.

Y aquí los que estuvieron y salieron en la foto

Aquí un texto de la curadora regia, Rocío Cárdenas, con motivo de su excursión a Ciudad Alacrana a ver la expo de Leo.

“Arte Joven en el Norte de México”

El pasado viernes 23 de junio se inauguró la exposición individual “La Hora Feliz”, en el Instituto de Cultura de Durango. El artista visual Leonardo Ramírez realizo una intervención in situ especialmente planeada y curada por Jorge del Campo, joven duranguense quien a su corta edad (25 años) esta iniciando una serie de proyectos de arte joven desde la capital de este estado del norte de México. La intervención resulto exitosa y salvando las limitaciones de un espacio reducido, la escasez de recursos y un público poco habituado a contemplar este tipo de manifestaciones artísticas cabe mencionar que se llevo a cabo un trabajo de primera.

La hora feliz corresponde a una necesidad expresiva ya añeja para el artista Leonardo Ramírez quien años atrás ya tenía pensado realizar una intervención sobre muro. Me parece que este proyecto encaja muy coherentemente con las circunstancias de vida de un artista como Leonardo quien es originario de Guanajuato cuyo trabajo como promotor y como productor se ha destacado a partir de su relación continua con proyectos culturales y artísticos que han tenido como objetivo principal el crear redes comunicantes entre diferentes centros de creación artística fuera de la ciudad de México donde actualmente reside. Ya que además de productor visual desarrolla su actividad profesional como curador. En el terreno de la nostalgia podríamos hablar muchísimo ante La Hora Feliz, pero definitivamente no se trata de una exposición romántica o anacrónica, temáticamente hablando sino de una oportunidad de externar una forma de trabajo que de manera continua realiza Leonardo Ramírez, el cual consiste en dejarse atravesar por los objetos, las personas y los eventos que le salen al encuentro transformándolos a través de su visión como artista.

El leiv motiv de esta exposición parte de una anécdota totalmente descontextualizada y reinterpretada en los muros de la pequeña sala de exhibición del Instituto de la Cultura de Durango, un folleto panfletario de carácter cristiano que pretende alejar del alcohol a los padres de familia de clase baja ante una serie de imágenes tipo comic norteamericano de los años 50 s.

La Hora Feliz no propone construir nuevas imágenes, sino señalar aquellas que, no teniendo intencionalidad estética como fin, la posibilitan[1]. Podríamos hablar del término de artista proyectista ya que en este caso especifico alude al sentido del trabajo realizado directamente en el muro bajo el pretexto de un objeto encontrado. Esta dinámica de trabajo bajo condiciones no previstas, no es nueva, sin embargo nos remiten a una forma de encuentro que el público duranguense no conoce o por lo menos no de una manera continua o formal mediante el acercamiento a espacios específicos como museos de arte contemporáneo o galerías de arte joven.

Desde esta perspectiva resulta conveniente mencionar que la mayoría de los artistas o productores de arte contemporáneo de Durango radican fuera de su tierra. Y la labor que como curador y promotor esta iniciando Jorge Ortega es muy valiosa, al tratar de vincular de manera propositiva exposiciones que de alguna u otra manera acerquen al público de Durango a sus jóvenes artistas.

Con respecto a la exposición La Hora feliz el texto curatorial de Jorge Ortega aclara lo siguiente: “La hora feliz no es precisamente una exaltación del todovale frecuentemente encontrado en el arte contemporáneo, aunque sin duda es un proyecto fruto de las circunstancias. Verán, hace años que Leonardo Ramírez planeaba una exposición de piezas pintadas directo sobre el muro, mucho antes del boom que ahora podemos ver en algunos museos y galerías del país. Sin embargo lo único que estaba claro en este proyecto era el soporte, lo que se necesitaba era contenido, un pretexto.

La hora feliz comienza más o menos así; con el hallazgo de un folletito/historieta en la calle Altavista en el DF. En este folleto se narra, según el propio Leonardo: “una lacrimógena historia de una familia desintegrada por la adicción al alcohol para posteriormente redimir a parte de sus protagonistas en una historia de amortz, reunificación familiartz y religión.”

La obra de arte ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres[2]. Los alumnos han hecho copias como ejercicio artístico, los maestros las hacen para difundir las obras, y finalmente copian también terceros ansiosos de ganancias. Frente a todo ello, la reproducción técnica de la pieza La hora Feliz se impone de manera intermitente creando posibilidades de lectura que le permiten al espectador establecer nuevas maneras de encontrar mensajes. Utilizando para ello la técnica básica del objeto encontrado y reproducido a la cual tiene acceso el artista mediante su universo cotidiano valiéndose para ello de todo aquello que aparentemente es irrelevante ante los ojos de los demás.

El trabajo que se presento en la Hora Feliz consistió en 2 murales realizados de forma monocromática (pintura negra sobre muro blanco) evidenciando el drama existencial que el comic narraba sobre la historia de un padre alcohólico que maltrataba a su familia. El contraste se podía observar evidentemente ante la primera pared del área de exposiciones que presentaba una serie de dibujos onomatopéyicos en los cuales se podían leer frases como “el corcho cócteles”, “claro que si! Volveré pronto!”, “siento un peso tan grande en mi corazón, abra esperanza para mi?”, “Tía Maria ahí viene el borracho”.

En el muro central podemos observar la imagen de un padre de familia y/o ministro religioso que de la mano camina hacia la entrada principal de una iglesia del tipo episcopal norteamericana. La imagen remite a una bella pradera. Y el punto de fuga esta centrado en la figura del padre o del poder que de alguna manera guía a estos dos pequeños hacia el camino de la fe. Circunstancias que definitivamente crean una paradoja al descontextualizar el sentido del comic mediante la ausencia del dialogo escrito colocando unas volutas de palabra en las cuales no hay texto alguno. Enfatizando el sentido de la permeabilidad de la obra artística ante el espectador. A un costado de este mural (central) podemos ver una serie de recortes y fotocopias del panfleto utilizado como pretexto para la creación de esta intervención. A un lado como parte final y no por ello menos importante se colocaron una serie de dibujos realizados a lápiz de diferentes detalles de la parte central del folleto. Imágenes interesantes e inmediatas tomando en cuenta que al igual que la creación de esta obra fueron resueltas bajo la premisa de la desintegración y la relectura de un documento que a fin de cuentas podía generar detonantes tan variados como los que se pueden apreciar en el resultado final de esta intervención in situ La Hora Feliz.

Leonardo Ramírez no es oriundo de la tierra del alacrán pero su papel como promotor de un grupo de artistas de Durango ha sido fundamental incluso para que Jorge Ortega se aventurara a iniciar una carrera como curador. Y desde mi perspectiva creo que es importante contribuir, aunque sea de una manera modesta, a la formación de nuevas redes que de manera emergente se van formando entre los productores, artistas y curadores fuera de la vitalidad del centro del país.

El arte que surge y se da a conocer desde el norte de México exalta de una manera bastante clara la necesidad de crear públicos y aprovechar el surgimiento de nuevos espacios, de nuevas carreras curatoríales y de cronicas alternativas que narren fuera del mainstreat lo que sucede en eso que aparentemente se pierde en la “provincia”.

Las dinámicas ingenuas quedan fuera de lugar y debemos entonces hacer nuestra chamba y hablar de lo que hace el vecino. Monterrey es un centro generador de acciones consolidadas de difusión y producción de arte contemporáneo que definitivamente tiene que ampliar su visión sobre lo que sucede fuera de la ciudad de las montañas. En el caso de Durango lo que ocurre en su capital esta fuera de mi alcance, sin embargo si me queda claro que en cuanto a trabajo y esfuerzo por crecer en lo cultural y en lo artístico tienen mucho que aportar no solo al norte de México sino a todo el país.

Una servidora se aventuro a manejar 8 horas para llegar a Durango vía carretera desde Monterrey y sinceramente fue una gratísima experiencia. Los paisajes tipo western y la aridez de la tierra contrastaban hermosamente con cielos azules dignos de película de Clint Eastwood. Quizás el viaje y el sentido del road move es una manera metafórica, pero real de como podemos buscar caminos para hablar del encuentro con lo desconocido y enfrentar de una manera tal vez menos pasiva las premisas de validación del arte contemporáneo. Saliendo un poco de las dinámicas urbanas que hacen que estemos sentados esperando que las cosas sucedan. Invadidos de esa idea de que hay muchos por ahí que están esperándonos para descubrir nuestro talento periodístico, curatorial o artístico de cualquiera de los protagonistas de nuestra película. Así que si se animan a descubrir nuevos paisajes en el arte contemporáneo, acudan a visitar la exposición La Hora Feliz que en el Barrio de Analco de la ciudad de Durango, en la Sala Guillermo Bravo. Instituto Municipal del Arte y la Cultura de Durango, Arista 210, Barrio de Analco, Durango, Durango, se exhibirá hasta el 24 de julio. Rocío Cárdenas (1975)

[1] · Néstor García Canclini, Vanguardias artísticas y Cultura Popular, ed. Centro Editor de América Latina, Buenos Aires, 1973.

[2]walter benjamin “Discursos interrumpidos” en la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica

Directorio

Ing. Jorge Herrera Delgado
Presidente Municipal de Durango

Ing. Corín Martínez Herrera
Directora del Instituto Municipal del Arte y la Cultura

Lic. Carlos Cazares Ramírez
Subdirector del Instituto Municipal del Arte y la Cultura

M. Jorge Armando Ortega del Campo
Curaduría

Leonardo Ramírez González
M. Jorge Armando Ortega del Campo
Montaje

Agradecimientos:
Lic. Raymundo Miranda
Ing. Lizbeth Caudillo Castillo
M. C. Martha Elia Muñoz Martínez

LA TEMPESTAD...

2007-11-25T21:28:00.000-08:00

La estética de lo cruel

La obra de Ricardo Salcido es ácida, crítica, aguda; sus personajes, elaborados con una simplicidad gráfica son protagonistas de una cómica monstruosidad que alude con eficacia a los aspectos más decadentes de lo cotidiano. Su lenguaje se despliega en una ejecución de inmediatez expresiva: en pocos trazos es capaz de capturar la esencia del tortuoso existir de criaturas vivientes que semejan mutantes, parte humanos parte animales, que enfrentan dramas diversos que pueden provocar repugnancia o simpatía. No es una obra que recoja los aspectos más amables de la vida, sino que se muestra, en momentos, siniestra y cruel, haciendo de ella un excelente ejemplo de expresionismo gráfico. Es recurrente la escena del phagos en donde el personaje devora o es devorado, algunos de ellos hacen gala de poderosas dentaduras que refuerzan los gestos desesperados y angustiosos de sus cuerpos deformados seguramente por algún vicio contraído. Ricardo Salcido gusta de crear sus imágenes haciendo una fusión entre la técnica tradicional de dibujo a tinta y la imagen digitalizada logrando un resultado original y elocuente que satiriza sin miramientos la debilidad humana y que impregnado del humor negro necesario nos acerca sin duda alguna a presenciar con curiosidad y asombro el fascinante exorcismo de la psique.

Carlos Cardenas

Un monstruo fracasado
en un lugar solitario
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

En la panza de la
ballena asesina mutante
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

La sala de espera
de la clínica de quemados
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

El fantasma con
delirio de persecución
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

El huérfano abandonado
por barbudo
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

El comedor de óxido cúprico
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

Nacimiento y escape
del pequeño caníbal
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

El comedor de sosa cáustica
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

¡Vuelve, no me dejes vivo
por favor!
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

La inolvidable experiencia
de las gorditas de medicina
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

El fantástico ser
mitológico vidente
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

La lluvia de napalm
en la fábrica de chocolates
Lasergrafía sobre papel
41.5 x 26.5cm
2007

Melodrama / las piezas

2007-10-28T21:00:00.001-07:00

Jorge Ortega del Campo
Señor, ten piedad.
Rafia y matamoscas
Medidas variables
2007

Jorge Ortega del Campo
Nuestra Señora de las Circunferencias
Acrílico sobre yeso cerámico
22 x 67 x 27 cm
2007

Omar Ortiz
¡Happy birthday, Mr. President!
Acrílico sobre tela
60 x 80 cm
2007

Jorge Ortega del Campo
Loverboy
Inyección de tinta sobre lienzo
100 x 100 cm
2007

Ricardo Luján
Leda
Óleo sobre tela
50 x 60 cm
2007

Omar Ortiz
Girl
Tela y pedrería de fantasía
50 x 40 cm
2007

Ricardo Salcido
Sin título
Acrílico sobre felpa
94 x 56 cm
2007

Ricardo Salcido
Fosa común
Tela, hilo, relleno.
Medidas variables
2007

Omar Ortiz
Eat
Unicel y tela
50 x 40 cm
2007

Ricardo Luján
Dinosaurio
Acrílico sobre barro cocido
33 x 13 x 19 cm
2007

Jorge Ortega del Campo
Chocolate & vainilla
Díptico
Impresión cromógena
67 x 50 cm c/u
2006

Ricardo Luján
Casanova
Óleo sobre tela
50 x 70 cm
2007

Ricardo Salcido
Procesos de alimentación Nº 1
Acrílico sobre papel
500 x 200 cm
2007

Ricardo Luján
Her springtime
45 x 60 cm
Lápiz sobre papel, hilo dorado, tela estampada
2007

Detalle

vistas de la exposición

2007-10-28T20:57:00.001-07:00

Los que estuvieron... y salieron en la foto

2007-10-28T20:53:00.001-07:00

¡Dios mío, hazme culto!

2007-10-09T23:37:00.000-07:00

(dar click en la imagen para agrandar)

Consulta aquí la nota publicada en El Siglo de Durango

«A veces me gustaría deshacerme de la responsabilidad de vivir la vida, y cuajarme a ver telenovelas»

David Tremary

«El melodrama, parecido al melólogo pero con varios personajes, es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical.

»El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música, en vez de caminar juntas, se presentan sucesivamente, y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical".

»La influencia del premio Nóbel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. El melodrama está presente en la televisión como telenovela.

»En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música, y que esto se haga de una manera muy marcada. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones, sin embargo, el término melodrama no se les aplica por lo general, pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva, para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado, que con su contenido.» (http://es.wikipedia.org/wiki/Melodrama)

Melodrama es la tercera exposición de Regato208 / Espacio de Arte Contemporáneo y la primera donde los cuatro integrantes de este casi-casi-colectivo epónimo muestran el trabajo que han venido desarrollando en los últimos meses.

En esta ocasión no hubo un tema definido, no son piezas mandadas a hacer para encajar dentro de tal o cual proyecto, sino el resultado de sesiones donde las motivaciones, las debilidades y cualidades de ideas que pueden convertirse en piezas se discuten en grupo hasta obtener el resultado que se buscaba (como piezas individuales). Sin embargo, la lectura de las piezas en su conjunto resulta sumamente divertida, abordando desde el particular punto de vista de cada autor y de manera desenfadada e inocente, temas que de tan recurrentes pueden parecer ya tópicos: El conflicto (ante uno mismo y ante los otros), la religión, el sexo, el mito, la mujer y el amor –siempre el amor –.

Cada una de las piezas que se presentan es como un enunciado; tienen sujeto y predicado. Si bien el sustantivo difiere en cada caso (yo, tu, él[la], nosotros… etc.), el verbo va más o menos por el mismo rumbo y nos presenta a alguien que, ya sea voluntariamente o forzado, se encuentra en una situación vulnerable de la que no quiere o no puede salir. Así, Ricardo Salcido nos muestra un políptico y un «mural» donde, no sin resentimiento, se habla de desigualdad y la opresión; unos simpaticos beanies donde los opresores se vuelven objetos coleccionables; un clamor derrotista sin destinatario definido donde se reniega del futuro porque seguramente, como todo lo demás, será insoportable y, por último, unas pegatinas de una familia feliz… lleve las suyas para pegarlas en su automóvil. Salcido cumple en esta muestra el rol del adolescente; sabe lo que se espera del él como tal y se divierte dando gusto, ofreciendo tan pocos argumentos y tanto sarcasmo en su discurso panfletario que el espectador no sabe exactamente cómo reaccionar.

Omar Ortiz es un pintor que parece haber descubierto recién que no tenía que pasarse la vida haciendo paisajes y últimas cenas y que, de hecho, no tenía que ser pintor, que por el momento el dibujo le ofrecía la mejor posibilidad de resolver sus piezas, en donde se aprecia que aun no se conoce del todo cuáles son aquellas reglas que se quiere romper pero, sin embargo, la idea de la transgresión está presente: Ortiz nos muestra un dibujo de unas hermanas siamesas peleando por un vestido –cualquier parecido con las batallas campales en época de rebajas no es coincidencia, como tampoco lo es la casi tímida crítica a la gente cuyo mundo es así de pequeñito (y se que te reirás) y monotemático – y su contraparte: una Marilyn Monroe para nada vacía –perdón por la metáfora facilota –; unos dibujitos cheap & chic en bonito satín de $15.00 el metro y pedrería de plástico y unas interesantes frases sumamente parecidas al famoso cuento de Monterroso (aunque en unos casos le tira más a filosofía de calendario) escritas en tiras de plástico de etiquetar (cheap & cheap).

Ricardo Luján es un pintor ansioso de contemporaneidad cuyas piezas resultan casi siempre más elegantes y sutiles de lo que planea y que siempre se debate entre ser un joven artista de propuesta o un joven artista de encargos, resultando más o menos exitoso en ambas cosas al tiempo que compra todas las revistas de arte pero no lee ninguna. Lujan nos presenta su versión de los mitos de Leda y Ganímedes, reinterpretando y actualizando (como se hace desde el Renacimiento) las historias clásicas; vemos también una nueva pieza dedicada a Bety Page, su más reciente fetiche; un retrato de su padre como joven boxeador en una jungla tropical donde sus guantes y técnica son poco más que inútiles y una pequeña escultura de un dinosaurio donde los ornamentales motivos presentados en su serie anterior (Pimper) se vuelven más permanentes y menos pertinentes.

Jorge Ortega, particularmente cansado de que se diga que su obra es de estilo manga, presenta dos piezas que son consecuencia natural de otras presentadas en la exposición Katari-be: una virgen decorada con círculos, donde el título cambia radicalmente el discurso de las tres vírgenes presentadas con anterioridad, y otro nuevo gráfico inspirado en los mándalas orientales complementado con la letra de otra canción preadolescente (con la interesante taxonomía que dicho adjetivo plantea: ¿adolescente?, ¿postadolescente?, ¿neoadolescente?, etcétera). Continuando con la temática religiosa, Ortega exhibe una pieza que consiste en matamoscas bordados con rafia, donde se explora el acto de despojar de su función a un objeto utilitario a través de la decoración y, finalmente, un díptico donde se muestra la relación, normalmente antagónica, de los opuestos a través de la vainilla y el chocolate.

Lejos de hablar de lo que esta in y lo que esta out, de la vanguardia, la tradición, lo canónigo, lo sagrado, lo sublime, lo arrobador, lo magnífico, lo maduro, lo sensible, lo onanista, lo culto, lo institucional, lo extraño y maravilloso, lo moderno (or whatever), lo monumental y demás adjetivos curiositos; dejando de lado nuevas tendencias y viejas corrientes, en Melodrama se muestra el trabajo de un pequeño grupo de artistas emergentes que discurren sobre aquellas situaciones que les son familiares y que son coherentes con su formación, sus vivencias y el marco geográfico, histórico y social que les tocó vivir. Si bien a los artistas aquí expuestos no se les llena la boca al hablar, por ejemplo, de la ruptura, si se puede observar cierto orgullo al saber que no se presentan piezas que son bonitas por bonitas, cultas por cultas, o novedosas por novedosas, sino que detrás de ellas hay un proceso indispensable, «justo y necesario» en la elaboración de todo discurso.

Por cierto, el nombre de la exposición sí es irónico. Aquí, queridos espectadores, no encontrarán efectos especiales.

THE BIGGER THE BETTER...

2007-10-09T12:43:00.001-07:00

En la exposición Crecimientos artificiales se incluye una pieza de Jorge Ortega del Campo, quien forma parte del colectivo-galería Regato208 / Espacio de Arte Contemporáneo, así como de la talentosa duranguese Marcela Armas.

Las semillas son invisibles; duermen en el secreto de la tierra

“Como la verdadera naturaleza se ha perdido, todo puede ser naturaleza.”

Blaise Pascal

Cómo una planta que se abre paso a fuerza de necedad y a pesar de las condiciones adversas que se le presentan, las piezas de crecimientos artificiales, nos muestran una serie de particularidades formales y reflexiones visuales que hacen que se piense en obras de arte súper especializadas (como las plantas que crecen en las paredes o en los puentes de las ciudades, desafiando la gravedad y cualquier sistema de crecimiento biológico normal). Estas obras crecen y se reproducen de las maneras más asombrosas, varias de las cualidades de estos materiales artísticos, se encuentran en la forma en la que se apropian de recursos que les permiten expandirse y echar raíces.

En muchas ocasiones, estos recursos son sólo alusiones gráficas a una serie de crecimientos anómalos que afectan la vida cotidiana de los habitantes de una ciudad o a una serie de elementos que concatenados logran completar una estructura de forma y apariencia natural. Pero, ¿hasta dónde podemos encontrar naturaleza en esta exposición? Sin lugar a dudas los artistas han desarrollado ciertos sistemas de producción que les han permitido reflexionar desde los mas diversos ángulos, perspectivas y temáticas a partir del empleo de este método de trabajo. Pero se habrán propuesto trabajar basados en las formas de la naturaleza o ¿sólo encontraron que para el desarrollo y factura de su pieza era necesario contar con un modelo proporcionado por ésta?.

En todos los casos, las piezas de los doce artistas que participan en la exposición Crecimientos artificiales, se construyen a partir de un proceso de crecimiento exponencial ramificado o rizomático, que nos permite observar una obra tridimensional con altas posibilidades de expansión en diferentes espacios de exhibición, es decir, cada obra es una especie de rompecabezas armado al que se le pueden incluir piezas adicionales para construir una obra de mayores dimensiones, este sistema de trabajo desnuda los engranes y puentes que se construyen a partir de una pieza que puede ser construida ad infinitum y que al mismo tiempo, nos da la facilidad de reflexionar en torno a lo natural, lo artificial, lo escultórico o lo interminable.

Esto no quiere decir que las obras que se presentan en la exposición estén inacabadadas, por el contrario, debido a su estructura conceptual y formal, funcionan como muestras de una idea de progresión orgánica infinita, con una capacidad de adaptabilidad espacial extraordinaria, esto es, las piezas están materializadas a partir de elementos formales que se repiten con cierto ritmo, pero que de ninguna manera, llegan a ser reproducciones mecánicas o inamovibles, su crecimiento está organizado de tal forma, que siempre existe la posibilidad de imaginarlas en otra situación o en otro espacio, modificando su estructura y adaptándose a sus nuevas condiciones de existencia.

La temáticas abordadas por los artistas en crecimientos artificiales van del asombroso crecimiento de una empresa que elimina la competencia de la tiendita de barrio con estrategias mercadotécnicas a una aplastante y feroz competencia mercantil en el caso de Marcela Armas, una red de plastilina y estambre que se pesca de cualquier rincón, para comenzar a realizar estructuras de una complejidad arácnida (Aldo Chaparro), la obsesiva compulsión al pintar detalles anodinos en objetos como cajas de cartón, igualando el color y las sombras que producen estos objetos pero que otorga con este gesto, constructivo y pictórico, una carga importantísima de invisibilidad y estructura (Tom Früchtle), la volátil colocación de esferas de vidrio en el edificio que alberga la exposición permite trazar una ruta y seguir la secuencia de un ficticio vuelo sutil y transparente (Martín Wöhrl), el ensamble circular de una serie de muletas nos remite a una estructura celular primigenia pero de enormes dimensiones (Benjamín Torres), la incorporación premeditada de aves en una convención humana como la del restaurante, en donde se dispone de todos los utensilios necesarios para una comida formal de alpiste y agua (Renato Garza), el crecimiento paulatino de una playera al adicionarle poco a poco los restos del algodón de otros objetos similares y que forman una extraña estructura imposible de vestir (Jorge Ortega), Paisajes post industriales logrados a partir de la utilización y colocación de una serie de monitores rotos e inservibles (Iván Puig), olas construidas a partir del ensamble de cientos de envases plásticos transparentes (Daniel Navarro) costales de azúcar, tirados como amantes exhaustos, como cuerpos inertes en la pieza de Lourdes Méndez. La articulación y enlace de los espacios exterior e interior son tratados a partir de las dos propuestas que presentan Mauricio Limón y Gilberto Esparza.

Aunque la mayor parte de las obras han sido presentadas con anterioridad, los artistas determinarán la nueva composición de la pieza a partir de la asignación del espacio de trabajo. Otras, realizadas por primera ocasión, confrontaran a sus creadores con dilemas, ningún elemento está demás y el análisis del espacio y los materiales impondrán en cada autor un problema a resolver.

Las obras funcionan como instalaciones para sitio específico, adaptándose a las condiciones de trabajo que naturalmente les imponen los procesos naturales tales como el polvo, la temperatura y la lluvia, así como el tránsito de los visitantes y una importante incorporación de fauna doméstica.

Leonardo Ramírez

Ciudad de México, agosto de 2007

Ficha de artistas:

Crecimientos Artificiales es una exposición colectiva bajo la curaduría de Leonardo Ramírez, en la que participan los artistas Marcela Armas, Aldo Chaparro, Gilberto Esparza, Tom Früchtle, Renato Garza, Mauricio Limón, Lourdes Méndez, Daniel Navarro, Jorge Ortega, Iván Puig, Benjamín Torres y Martin Whörl, que se presentará en la Escuela Normal Oficial de Guanajuato, del 3 al 21 de octubre, como parte de las actividades del 35 Festival Internacional Cervantino.

Leonardo Ramírez, nacido en Guanajuato en 1969, es curador y artista visual representado por las galerías Kunsthaus Santa Fe de San Miguel de Allende y Miami, Florida, asi como Alternativa Once de Monterrey. Ha realizado exposiciones con su obra personal en México y el extranjero como Sincretismos, espectáculo multidisciplinario con Jorge Reyes (1994); Crónica de sombras, XXIII Festival Cervantino (1995); Fashion victims, (1999); Minotauromaquia (2000); y Últimas Rebajas (2002), y diseñado exposiciones para la galería Occurrence de Montreal, Canadá, La Universidad de Guanajuato, el Ex Teresa Arte Actual México y el Museo de Arte Carrillo Gil, México.
Curó el proyecto The last supper de la obra del reconocido artista británico Damien Hirst, y es miembro del colectivo Las muertas proyectos espaciales y director del proyecto mamazita fashion. Ha recibido varias veces la Beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Guanajuato y ganó el premio a la mejor escenografía en la Muestra Estatal del Teatro del mismo estado.

Aldo Chaparro, nacido en Perú en 1965, es artista, curador, editor y director de arte. Su obra artística se centra en escultura, diseño y fotografía enfocando las relaciones visuales entre objetos naturales y artificiales.
Como editor del Grupo Editorial Celeste ha publicado más de cuarenta revistas y libros de arte contemporáneo, moda y diseño en los últimos cinco años. Trabajó en el proyecto Paredes que hablan al lado del artista visual Mauricio Limón.

Marcela Armas, nacida en Durango en 1976, cursó la licenciatura de Artes Plásticas en la Universidad de Guanajuato y cuenta con estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España.
El trabajo de Marcela Armas se basa fundamentalmente en pequeñas pero profundas reflexiones en torno al espacio, la materia, el tiempo y el sonido. Desarrolla su obra desde distintos formatos, cambiando de técnica con toda naturalidad, de tal forma que podemos encontrar en su producción: video, fotografía, escultura, instalaciones e intervenciones.
En sus últimos trabajos ha usado como eje temático la acumulación y la dependencia como una extraña forma de movilidad, así como la realización de una serie de actos sonoros en tiempo real y las piezas desarrolladas a partir de elementos electrónicos que presagian una nueva línea de investigación y producción en su obra.

Renato Garza, nacido en la ciudad de México en 1976, es licenciado en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, y forma parte del proyecto Trolebús, Galería experimental de arte.

Renato Garza mezcla en sus piezas enormes dósis de ternura y violencia en la misma proporción. Por un lado fabrica un hermoso restaurante para palomas, formado por una serie de mesitas con manteles y objetos de comedor y por el otro decide convertir a un mara salvatrucha en un “bonito” tapete de sala, en donde uno puede cómodamente colocar los pies con calcetines sobre la cabeza de dicho individuo o tratar de descifrar los códigos gangas de los tauajes hechos sobre la piel (de látex) de este exótico accesorio doméstico.
La excelente factura de sus piezas, hace que los contenidos en sus propuestas artísticas sean claras y contundentes.
Gilberto Esparza, nacido en Aguascalientes en 1975, cuenta con estudios en la escuela de Artes Visuales de la Universidad de Guanajuato y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Su trabajo
ha sido desarrollado a partir de una inagotable curiosidad por el movimiento y la mecánica. Su proclividad hacia el uso de la tecnología hace que sus piezas tengan una estética de objetos de ciencia ficción, resueltos a partir de mecanismos que se accionan con sensores de presencia.
Las piezas que realiza van de la robotización de esculturas a la realización de videos siempre tras la utopia del movimiento perpetuo.
Lourdes Méndez, nacida en Guadalajara en 1969, es una artista visual autodidacta que hace uso de una gramatica visual bastante particular ya que no tiene un punto de interés fijo y su mirada siempre atenta se mueve en varias direcciones: el amor, la ambigüedad sexual, las instrucciones o la textualidad.
Su manera de trabajar es muy libre y relacional, colecciona una serie de frases que posteriormente utiliza realizando con este material piezas de una extraordinaria sencillez, aunada a un muy directo y desprejuiciado comentario personal.

Daniel Navarro, nacido en Guadalajara en 1969, cuenta con estudios en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara.
Es un constructor obsesivo, sus obras –en su mayoría tridimensionales- resultan ser una serie de reflexiones en torno a la acumulación, la maquinaria, la ciencia ficción, los vaqueros, la historia del arte y el movimiento.
Para algunas de su piezas utiliza una serie de sofisticados mecanismos que permiten cierta movilidad a los objetos, creando una especie de máquinas autónomas “Low tech”, de la misma manera reutiliza materiales festivos o de uso diario para realizar interesantes esculturas que recuerdan percheros con ramas o plásticas mantis religiosas creadas con cepillos de dientes usados.

Jorge Armando Ortega del Campo, nacido en Durango en 1980, estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad de Guanajuato y un Master en diseño y dirección de proyectos expositivos en la Escuela Superior de Diseño Elisava de Barcelona, España.
Sus piezas recorren un amplio espectro de referencias y soluciones, muy cercanas a la ilustración y al diseño gráfico, mientras su uso indiscriminado del manga es su más grande acierto formal.
En sus exposiciones ha abordado una serie de temáticas relacionadas con varias de sus obsesiones personales, que van del tratamiento de mujeres famosas en la historia de la humanidad como logotipos, las frases definitivas y demoledoras en tipográficos murales, cuadros de mediano formato o biombos, así como su más reciente serie de obra místico-manga-religiosa.

Ivan Puig Domene, nacido en Guadalajara en 1975, se graduó de la licenciatura en Artes Plásticas en la especialidad de grabado de la Universidad de Guanajuato y cuenta con estudios en la Universidad Politécnica de Valencia, España y la Universidad Laval de Québec, Canadá.
Su trabajo está lleno de soluciones formales híbridas que no permiten describir con precisión sus piezas. Por ejemplo, decide intervenir una serie de esculturas públicas a partir de pequeños objetos o situaciones que recontextualizan un objeto inmóvil, documenta fotográficamente esta acción, y muestra el registro de esta intervención como obra final.
Utiliza materiales que lentamente se van procesando y que tienen como resultado una pieza que no finaliza sólo como un objeto de exhibición terminado, sino en la mayoría de las veces retoma de estos materiales o hallazgos ciertos elementos que le permiten completar una nueva idea para llevarla hasta sus últimas consecuencias.
Tom Früchtl, nacido en Munich, Alemania, en 1966, estudió en la Escuela de Arte de Munich.

Sus proyectos artísticos están íntimamente ligados a la música, debido al trabajo que realiza desde 1998 como productor invitado en la discoteca Flaming Star y rockstar de la música punk. En varias de sus piezas incluye elementos como amplificadores Marshall o una bola de espejos para discoteca, así como la realización de acciones performativas en las que toca la guitarra hasta que la música lo hace desaparecer.
Otra vertiente de su obra radica en la producción de piezas casi invisibles en donde la gran cantidad de trabajo invertido en la realización pasa desapercibida, debido al interés que tiene en resaltar la parte más anodina de los objetos.
Martin Wöhrl, nacido en Alemania en 1974, cuenta con estudios en la Academia de Artes de Munich.
Las obras de Wöhrl oscilan entre las piezas escultóricas y las instalaciones, en éstas se combinan diversos materiales como la madera, la espuma de poliuretano y el plástico. Su trabajo tiene una rara alusión a los espacios decorativos, la publicidad y los desechos encontrados en mercados de segunda mano aplicando a sus piezas un cierto sentido del humor tropical.
Sus obras presentadas en el Museo de arte Carrillo Gil en 2007 y hechas con cartón y cintas de colores, nos hacen recordar los logotipos de una reconocida marca de cerveza montados en estructuras para espectaculares, así como a las aureolas barrocas de los santos en las iglesias.
La obra de las esferas de unicel y las esferas de vidrio transparente, hacen alusión a la composición orgánica de la champaña, a las estrellas o a las luces nocturnas de la ciudad. Su inagotable instinto de búsqueda y su prolífica producción plástica hace que Wörhl se fije en cada objeto o detalle que encuentra a su paso.
Benjamín Torres, nacido en la Ciudad de México en 1969, cursó la licenciatura en Artes Plásticas en la UNAM.
Después de una breve estancia en la ciudad de Nueva York, en donde permaneció aproximadamente un año, regresó a la Ciudad de México y comenzó a exhibir su trabajo en espacios como la Galería José María Velasco, el MUCA Roma, el Centro Nacional de las Artes, y la Galería Art&Idea, además de haber participado en varias exposiciones colectivas fuera del país.

Tarde (muy muy tarde) pero sin sueño...

2007-08-09T16:35:00.000-07:00

Esta es la exposción de Ricardo Salcido, que hace ya meses se presentó en el Instituto Municipal del Arte y la Cultura de Durango, en el Salón de proyectos.

En Regato208 agradecemos el apoyo de la entonces alcaldesa de Durango, Lic. Amalia Ibarra Gómez: de la Directora del IMAC, Ing. Corín Martínez Herrera y del Subdirector del IMAC, Carlos Cázares Ramírez, al Igual que a todos aquellos que de un modo u otro hicieron posible este evento, a los asistentes y a los representantes de los medios.

Aquí esta el link a la nota publicada en El Siglo de Durango.

Este era un renacuajo ...y otras historias de error.

2007-08-09T15:56:00.001-07:00

Vivieron felices y comieron perdices...
Obra gráfica y dibujo de Ricardo Salcido Piñera.

“Este era un renacuajo triste, solitario y jodido”, qué mejor manera de comenzar una historia tormentosa y patética.

La obra de Ricardo Salcido es sumamente peculiar: narrativa, delicada, y nostálgica, tiene la cualidad de despertar la compasión y la ternura del espectador. La retórica empleada por Salcido es sumamente sencilla y por lo mismo facilita la comprensión por parte de quien contempla su obra y le permite imaginar los nudos y desenlaces de las casi-historias que cada pieza nos propone. Todo está en nuestras manos y cada quien ve lo que quiere ver.

Su trabajo encuentra inspiración en la tradición del arte secuencial o historieta, la narratividad es pues, esencial, y se ve respaldada en su discurso narrativo por el propio discurso estético y el tratamiento formal de cada pieza. Los dibujos con estética infantil se esfuerzan tanto en ser ingenuos que de verdad terminan siéndolo, todo ello con un elemento de humor que contrasta con la aparente falta de policía que desprende su obra. Las palabras altisonantes en esta ocasión no hacen sino contribuir a la simpatía que estos dibujos trazados con las vísceras nos despiertan.

Lejos de ser un catalogo de desventuras, las piezas que Salcido nos presenta en esta, su primera exposición, nos invitan, de una manera que raya en lo cursi –hay que decirlo –a extrapolar, a ver dentro de nosotros mismos, a rascar y escarbar en nuestro interior parar buscar lo mejor del alma humana y encontrar ese sentimiento, cosa o invento que a veces se nos olvida que existe: la esperanza. Y es que cuando las circunstancias son tan agobiantes que queremos mandar todo a la chingada sólo nos queda esperar el final feliz.

Jorge Armando Ortega del Campo

La obra

La catarsis (¡Ah, que rico!)
Inyección de tinta sobre lona plástica
50x100 cm
2007

Duele un poco no tenerte.
Inyección de tinta sobre lona plástica
73x100 cm
2007

Un extraño vacío.
Inyección de tinta sobre lona plástica
70x100 cm
2007

Moraleja: El machete puede más que la constancia.
Inyección de tinta sobre lona plástica
58x100 cm
2007

Part of me
Inyección de tinta sobre lona plástica
116x100 cm
2007

Traición al atardecer
Inyección de tinta sobre lona plástica
128x100 cm
2007

El vato loco que siempre va a la ferretería
Inyección de tinta sobre lona plástica
87x100 cm

2007

Patoaventuras en el mar
Inyección de tinta sobre lona plástica
100x85 cm
2007

Este era un renacuajo que tenía una pistola.
Agua y papel mágico
20x25 cm
2007

Este era un renacuajo dragón.
Agua y papel mágico
20x25 cm
2007

Este era un renacuajo desnutrido.

Agua y papel mágico

20x25 cm

2007

Este era un renacuajo tan noble

que prefirió comerse a sí mismo

antes que a sus hermanos.

Agua y papel mágico

20x25 cm

2007

Este era un renacuajo triste, solitario y jodido.

Agua y papel mágico

20x25 cm

2007

Este era un renacuajo con Complejo de Edipo.
Agua y papel mágico
20x25 cm

2007

Este era un renacuajo alcohólico.
Agua y papel mágico
20x25 cm
2007

Este era un renacuajo que vendió su alma al diablo.
Agua y papel mágico
20x25 cm
2007

Este era un renacuajo jorobado.
Agua y papel mágico
20x25 cm
2007

Este era un renacuajo con el corazón hecho mierda.
Agua y papel mágico
20x25 cm
2007

Este era un renacuajo que nunca maduró.
Agua, papel mágico y algodón
20x25 cm
2007

Estos eran dos renacuajos siameses.

Agua y papel mágico

40x25 cm

2007

Este era un renacuajo que fumaba placebos.

Agua y papel mágico

20x25 cm

2007

Chulo de bonito...

2007-08-01T13:43:00.000-07:00

El Jabberwocky

Traducción según Adolfo de Alba

Era la asarvesperia y los flexilimosos toves

giroscopiaban taledrando en el vade;

debilmiseros estaban los borogoves;

bramatchisilban los verdilechos parde.

¡Cuidado con el Jabberwocky, hijo mío!

¡Cuídate de las mandíbulas que muerden,

de las garras que apresan!

Cuídate del pájaro Rapiña y del altanero Halcón.

Empuñó él su tajante espada,

y contempló a su terrible enemigo largo rato.

Se puso a la sombra del árbol tumtum

y duró un rato cavilando.

Luego, de un brinco, púsose presto,

y la mala bestia, con ojos fulgurantes

llegó resoplando por el sombrío bosque,

y al acercarse aullaba.

¡Uno, dos! ¡Uno, dos!

Sin cesar la filosa espada daba tajos.

Muerto lo dejó, y, cortándole la cabeza,

de allí se alejó presto.

-¿Mataste al fin a la mala bestia, al tremando Jabberwocky?

¡Ven a mis brazos, niño querido!

¡Hermoso día! ¡Hurra! ¡Hurra!-

gritaba con alegría.

Era la asarvesperia y los flexilimosos toves

giroscopiaban taledrando en el vade;

debilmiseros estaban los borogoves;

bramatchisilban los verdilechos parde.

Lewis Carrol

Las piezas de la serie Pimper de Ricardo Luján son cúmulos de elementos comúnmente utilizados en los tatuajes. Resultan ser un aglomerado de estas imágenes que han sido desarticuladas y armadas casi al azar en composiciones de marcada rigidez geométrica donde la coherencia aparece evidentemente subordinada al ornamento y la estructura formal.

Pimper es un termino del inglés antiguo que significa algo así como “vestir con elegancia”, probablemente de esta palabra surge el termino pimp.

Lo que hace Luján en su trabajo actual es una especie de embellecimiento de los muros del espacio de exhibición. Los muros son la obra de arte puesto que han sido vestidos para fungir como tal, sin objetos ajenos a ella. Se escogen motivos comunes en la decoración corporal para hacer una analogía entre la piel y el muro, otorgando de esta manera, aunque sea superficialmente, cierta cualidad orgánica al espacio expositivo.

Lo que no le falta a estas piezas es sentido del humor. Son una imitación irónica de los vicios decorativos del “mal gusto” y su, con frecuencia, desafortunada habilidad para combinar ornamentos. Las composiciones son fundamentalmente incoherentes: un sagrado corazón con nochebuenas, una santa con rollos de sushi, una flor de loto con gallos, etcétera. La distorsión de los referentes originales se busca y se logra. Luján se arroja sin miramientos dentro del kitsch y el camp, estilos artísticos donde el mal gusto y la exageración son determinantes. Las frases que se ven comúnmente en, por ejemplo, autobuses urbanos, son también protagonistas de estas piezas.

El kitsch es una parte inevitable del se humano; su único antídoto es ser consiente de él. Dicho término define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de mal gusto; una obra de arte o un suceso que tiene características vulgares, de mal gusto o popular. La palabra probablemente pueda ser comparada con el término naco, pero a diferencia de ésta, lo que se define como kitsch, aunque de mal gusto, adquiere una valoración artística o por lo menos positiva.

Cada pieza es una cuidadosa selección de signos empleados en imágenes de la cultura popular. Ciertos elementos son tomados y recombinados generando una nueva sintaxis. Independientemente de referencias a corrientes estéticas, las piezas que Ricardo Luján nos muestra son relevantes no por su erudición ni por el uso de la ironía o el sarcasmo. Lo relevante en ellas es la resignificación de los símbolos empleados, la descontextualización y recontextualización de los signos: Pura gramática, pura sintaxis y la asignación y posibilidad de nuevas formas de lecturas a referentes ya conocidos y las paradojas visuales que se nos presentan en cada pieza.

Jorge Armando Ortega del Campo

Durango, Dgo., verano de 2005

Estas son imágenes de algunas de las piezas que se exhiben ahora en Regato208 / Espacio de Arte Contemporáneo en la exposición Pimper de Ricardo Luján.

Dios me ayude

Acrílico sobre muro
Medidas variables
2007

En ti confío

Acrílico sobre muro

Medidas variables

2007

Jesus is my home

Acrílico sobre muro

Medidas variables

2007

Angie
Acrílico sobre muro
Medidas variables
2007

Proverbio oriental

Acrílico sobre muro

Medidas variables

2007

Agradecimientos

Jorge Herrera Delgado
Corín Martínez Herrera
Omar Ortiz Hernández
María de los Ángeles Murillo Martínez
Osiris Orozco Núñez
Jaime Andrade Hernández
Pablo Valdez Lucio

Nuevecita y mejorada

2007-07-06T13:11:00.000-07:00

La prensa...

2007-04-13T13:59:00.000-07:00

Agradecemos a El Siglo de Durango por cubrir la inauguración del evento

link aquí

Gracias tambien a Lorena Portillo y a Pablo Valdéz por entrevistarnos en sus programas en el 107.7 FM de Radiorama y a toda la gente del programa A pa' nochecita de Canal 12 de Durango.

El espacio...

2007-04-12T20:40:00.000-07:00

Para visitar la galería sólo hay que llamar al 044 618 113 6589 o al 044 618 123 7028.

Los que estuvieron (y salieron en la foto)...

2007-04-12T20:30:00.000-07:00

Ricardo Luján (el director), Jorge Ortega (el curador), Ricardo Salcido (el museógrafo)

Rocio Cárdenas (que se lanzó desde Monterrey a ver la expo) y Ricardo Milla (amigo artisto)

Ricardo Salcido y Pedro Freyre (amigo artisto)

Ricardo, Yanira, José Luis, Paty, Oscar y Rene

Ya en las últimas, espectadores aguantadores, con Omar en primer plano.

Comenzamos...

2007-04-11T15:31:00.000-07:00

Agradecemos la valiosa colaboración de:

Jorge Herrera Delgado
Corín Martínez Herrera
Jesús Osiris Orozco Núñez
Omar Ortiz Hernández
Dianey Valles Bañales
Dolores del Carmen Ruiz Chávez
Sergio Barragán Ramírez
Rogelio Vázquez Veloz
Martiniano Hernández Espinosa

KATARI-BE

Katari-be es la palabra japonesa que denomina a aquellos encargados de conservar y difundir la tradición oral y declamar las antiguas leyendas durante las grandes fiestas sintoistas. Su equivalente castellano seria algo así como «recitador». Los japoneses creían que los Katari-be mantenían una estrecha relación con los sacerdotes y sacerdotisas, que, poseídos por espíritus divinos, narraban durante las ceremonias religiosas las remotas leyendas referentes a los dioses, la tribu o el territorio. Lo sagrado de estos relatos y su estrecho vínculo a los orígenes de la familia imperial en Japón no permitía que fueran criticados o explicados con demasiado rigor historicista por los estudiosos del país. A pesar de esto las antiguas familias, enfrentadas unas con otras, modificaban a su conveniencia las antiguas tradiciones para establecer mejor sus derechos y privilegios…

La mitología japonesa, como casi todas, es resultado de una amalgama de mitos locales y leyendas extranjeras. Hasta antes de ser inmortalizadas por escrito –cuando su difusión es estrictamente oral –, las historias que ésta contiene van mutando y enriqueciéndose con las licencias y adiciones que cada narrador hace hasta terminar en alardes épicos, fantásticos, románticos… que poco tienen que ver con los hechos verdaderos –si es que alguna vez los hubo.

Existen obvias analogías del proceso de legitimación de mitos japoneses, hasta convertirse en creencias religiosas incuestionables, con el de las tres grandes religiones monoteístas (judaísmo, cristianismo e Islam) y la acción de echar mano de estas creencias para justificar diversas formas de proceder por parte de los neoconservadores americanos, los islamistas fanáticos y, de manera más cercana, por el cristiano mexicano promedio, quien suele basar su forma de vida y la toma de sus decisiones –morales sobre todo – en un sistema de creencias que desconoce casi por completo y que ha evolucionado a lo largo de los siglos convirtiéndose en un cúmulo de ritos puntuales, políticas y premisas de sofisticación excesiva con origen incierto que, aunque no pueden ser cuestionados, siempre pueden ser manipulados para satisfacer intereses particulares. Menciono los sistemas de creencias monoteístas por serme más próximos que la cultura japonesa. Lo que me interesa de este fenómeno no son, sin embargo, las consecuencias sociales de la distorsión de los hechos originales, sino la manera en que estos van enriqueciéndose y cambiando hasta transformarse en algo mucho más atractivo, extraordinario y exótico.

La iconografía cristiana interesa no sólo a la historia del arte, sino también a la historia de la civilización en general, del pensamiento humano y, más particularmente, del sentimiento religioso. Refleja, como un espejo fiel, todos los progresos del pensamiento, todos los matices de la sensibilidad; y así, de la misma manera que una palabra puede tener varias acepciones simultáneas o sucesivas, una imagen puede sugerir, según las épocas, ideas muy diferentes o incluso diametralmente opuestas. La evolución iconográfica de un tema nos ilustra sobre las variaciones de las creencias, sobre la tensión o la relajación del sentimiento religioso. Existe una semántica icónica que merece un lugar en la jerarquía de las ciencias históricas, análogo al que ocupa la semántica verbal en el campo de las ciencias filológicas. La iconografía no refleja solamente las creencias: a menudo las crea. Muchas leyendas de santos deben su nacimiento a imágenes a veces mal comprendidas o interpretadas en sentido contrario.

Siempre he tenido un particular interés por la mitología en general –cosa que suelo demostrar en mi obra, donde la estética japonesa contemporánea también es determinante – y últimamente he sentido una especial atracción por la cosmogonía judeocristiana –sobre todo porque rara vez es considerada como mitológica –y sus manifestaciones plásticas, donde los artistas –sobre todo después del renacimiento –suelen tomar licencias en cuestiones de moda, lugares y sutilezas cronológicas o secuenciales, etcétera.

El proyecto llamado Katari-be es, básicamente, un ejercicio de sincretismo entre esas cosas por las que actualmente estoy interesado: La mitología judeocristiana, el arte sacro, la estética japonesa y la «literatura» oral; una serie de piezas donde temas clásicos del arte sacro son estudiados desde mi visión personal, permitiéndome licencias que pocas veces se han producido con esta temática, simulando de manera grafica/visual el proceso de transformación de la tradición oral, enriqueciendo ,o distorsionando, algún motivo religioso convirtiéndolo en mi muy particular versión de los hechos y asumiendo de esta manera el rol de narrador.

Jorge Armando Ortega del Campo

LA OBRA

1. SAGRADA FAMÍLIA (tríptico)

Lasergrafía sobre papel

Medidas variables (tres piezas de 25x25 cm)

2007

Santa María

Niño Jesús

San José

2. EVA Y LA SERPIENTE (políptico)
Tinte, barniz y vinilo de recorte sobre triplay
200 x 200 cm (cuatro piezas de 50 x 200 cm)
2006

3. LA ANUNCIACIÓN
Tela y papel
45x28x7 cm
2005

4. LAS TRES MARÍAS (tríptico)
Acrílico sobre yeso cerámico
Medidas variables (tres piezas de 7.5x7.5x21 cm)
2007

5. LA TIERRA PROMETIDA (políptico)
Leche y miel sobre papel
Medidas variables (cuatro piezas de 54x54 cm)
2006

(Detalle)

6. UNA MALA MUJER ES COMO UN YUGO DE BUEYES MAL AMARRADO;
TOMARLA DE LA MANO ES COMO AGARRAR UN ESCORPIÓN (Eclesiástico 26:7)
Alacranes y esmalte acrílico sobre papel
59x59 cm
2007

(Detalle)

7. JESÚS MALDICE A LA HIGUERA
Tinta sobre papel
80x80 cm
2006

(Detalle)

8. DRAGÓN APOCALÍPTICO / VIRGEN APOCALÍPTICA (díptico)
Acrílico sobre aglomerado
200x200 cm (dos piezas de 100 x 200 cm)
2006

(Detalle)

9. LA DANZA DE SALOMÉ
Tinta y acrílico sobre papel
42x42 cm
2006

10. PENTECOSTÉS
Inyección de tinta sobre papel
90x90 cm
2006

11. SANTA MARÍA MAGDALENA
Inyección de tinta sobre lona de vinilo
100x200 cm
2002

12. SAN SEBASTÍAN
Impresión cromógena
20x20 cm
2006

13. LA ÚLTIMA CENA
Ricardo Luján en colaboración con Jorge Ortega
Medidas variables (13 piezas de 20x20 cm)
2007

San Bartolome

San Jaime el Menor

San Andrés

Judas Iscariote

San Pedro

San Juan

Jesús

San Tomás

San Mateo

San Felipe

San Jaime el Mayor

San Judas Tadeo

San Simon Zelote

Bio. Jorge Ortega

2007-03-28T09:39:00.000-07:00

Jorge Armando Ortega del Campo / 1980, Durango, Dgo
kataribe@gmail.com

Diseñador gráfico, artista visual, museógrafo y curador. Realiza sus estudios de licenciatura en diseño gráfico en la Universidad de Guanajuato y de maestría en diseño y dirección de proyectos expositivos en la Universitat Pompeu Fabra en Barcelona. Ha desempeñado diversos cargos de gestión y promoción cultural en instituciones como el Centro Cultural San Carlos, el Centro Cultural del México Contemporáneo, el IMAC de Durango y la Universidad de Guanajuato. Ha trabajado con el Festival Internacional Cervantino en proyectos específicos y cursado seminarios y talleres de organizaciones e instituciones como el Patronato de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural España, la UG, el ITESO, la West Virginia University, la Universidad de Guadalajara y la UAM Xochimilco. Es beneficiario del PECDA en la categoría de creadores con trayectoria en 2011 y en la categoría jóvenes creadores en sus emisiones 2008 y 2006 en el estado de Durango. Obtiene el mismo estímulo en el estado de Guanajuato en 2003. Le es otorgado el Premio Municipal de la Juventud Sahuatoba 2007 en el área de arte y cultura en Durango, Dgo., y en 2006, en Durango, el Premio Estatal de la Juventud en el área de actividades artísticas. Es miembro del jurado en el Premio Estatal de Artes Plásticas Guillermo Bravo 2006, otorgado por el ICED, en la categoría diseño de vestuario. Es miembro del colectivo Las Muertas.

Exposiciones individuales

2009, Why does my lover lie?, El aparador, Galería Jesús Gallardo, Instituto Cultural del León, Guanajuato.

2008, Divina providencia, Galería de la Lotería Nacional, Lotería Nacional para la Asistencia Pública, México, D. F.

2007, Katari-be, Sala el Atrio, Universidad de Guanajuato, Gto., y Regato208 / Espacio de arte contemporáneo, Durango, Dgo.

2007, Not from Venus, nor from Mars, Salón de Proyectos, Instituto Municipal del Arte y la Cultura, Durango.

2006, You make me feel brand new, Sala Guillermo Bravo, Instituto Municipal del Arte y la Cultura, Durango.

2005, Las chicas de la Tierra son fáciles II, Galería Punt Multimèdia, Barcelona, España.

2003, Extra Virgin, Galería Arena México Arte Contemporáneo, Guadalajara, Jalisco y Sala El Atrio de la Universidad de Guanajuato, Guanajuato, Guanajuato, México.

2003, Las chicas de la Tierra son fáciles, Unidad de Extensión de la Universidad de Guanajuato en Celaya, Guanajuato, México.

2003, Nocturnos, Museo de la Ciudad de Querétaro, Querétaro, Unidad de Extensión de la Universidad de Guanajuato en Celaya, Guanajuato, México.

2002, Nocturnos, Café Spanglish, Plaza de la Paz 26, segundo piso, Guanajuato, Guanajuato, México.

2002, Flores y luz de luna, CBTIS 110, Durango, Dgo.

Exposiciones colectivas

2010, Non compos mentis, Galería Jesus Gallardo, Instituto de Cultura de León, Guanajuato y Centro Cultural Border, México, D. F.

2010, Almacén devocional, Galería Casa de las Monas, Instituto de Cultura de León, Guanajuato.

2010, Leche, muerte y monstruos marinos, Galería La Teneria / Arte contemporáneo, León, Guanajuato

2010, XXX Encuentro Nacional de Arte Joven, Casa de la Cultura de Aguascalientes, Ags., Itinerando actualmente en el interior de la República Méxicana.

2010, Cuadro / Guía y Salón de Artistas Emergentes, Centro Cultural Estación Indianilla y Polyforum Siqueiros, México, D. F., Centro Cultural Nuevo Laredo, Tms.

2009, Generación espontánea, Galería Casa de las Monas, Instituto de Cultura de León, Festival Internacional de Arte Contemporáneo de León, Gto.

2009, XXIX Encuentro Nacional de Arte Joven, Casa de la Cultura de Aguascalientes, Ags., Sala José María Velasco, México, D. F., Galerías del Sistema Municipal de Arte y Cultura de Celaya, Gto. y Galería Principal del Teatro Peón Contreras, Merida, Yuc.

2009, Exquisite Doll Kit, Galería Jesús Gallardo, Instituto Cultural del León, Guanajuato.

2007, Cada quien su Frida, Casa de la Cultura de Durango, dentro de las exposiciones del Festival Cultural Revueltas, Durango, Dgo.

2007, Exposición Inaugural, Galería Ñ, Durango, Dgo.

2007, Melodrama, Regato208 / Espacio de Arte Contemporáneo, Durango, Dgo.

2007, Crecimientos artificiales, Escuela Normal Oficial de Guanajuato, Gto., dentro de las actividades de artes visuales del XXXV Festival Internacional Cervantino.

2007, La fuerza de gravedad es lo que mueve al mundo, Galería casa de las Monas, Instituto Cultural de León, Gto. Festival Internacional de Arte Contemporáneo de León.

2007, A la diabla, Sala Guillermo Bravo, Instituto Municipal del Arte y la Cultura de Durango, Dgo.

2006, Mamazita’s advertising / Otoño/invierno 2006, exposición impresa, suplemento en el periódico La Provincia, de Morelia, Michoacán.

2006, XXVI Encuentro Nacional de Arte Joven, INBA CNCA. Instituto Cultural de Aguascalientes, Aguascalientes, México.

2006, Próximamente…, Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, DF, México.

2006, San Sebastián Mártir 2006 / Icono Contemporáneo y Manifestación Popular / Primera Muestra Plástica Internacional, Tres50 Espacio Cultural, Chiapa de Corzo; Museo Na’Bolom, San Cristóbal de las Casas; Escapararte 2006, Andador de los Hombre Ilustres y Museo de Antropología de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, México.

2005, Hoy, today, aujourd’hui, Teatro Juárez, Guanajuato, Teatro Manuel Doblado, Guanajuato, México.

2005, Housewarming / Calor de hogar. Las muertas proyectos espaciales, DF, México.

2004, Primer Concurso de Arte en Vidrio, Museo del Vidrio, Monterrey, Nuevo León, México.

2004, mp//:malditaprimavera (molécula, mp//:masivo, tercera entrega), proyecto presentado y distribuido en la Universidad de León, la video sala Periscope, Agencia de de publicidad y diseño gráfico [S: A:], boutique Miamuleto y café Alison, León, Guanajuato..

2004, La toma del barrio / Muestra de arte contemporáneo, Insurgentes 730, León, Guanajuato, México, dentro del X Festival de Arte Contemporáneo de la ciudad de León.

2004, XXIV Encuentro Nacional de Arte Joven, INBA CNCA. Instituto Cultural de Aguascalientes, Aguascalientes; Foro Cultural Efrén Rebolledo, Pachuca Hidalgo; Galería / Biblioteca de la Universidad Iberoamericana en Puebla, Puebla, México.

2004, Petites pièses, grands spaces, Galería Ocurrence, Montreal, Canada.

2004, T-rex, Galería Tren Ligero, Guadalajara, Jalisco, México.

2004, 8 jóvenes creadores, Exposición de proyectos de becas estatales de jóvenes creadores, Centro de las Artes, Salamanca, Guanajuato, México.

2004, Botellas a la Tierra, colaboración con Leonardo Ramírez. Galería del Anexo al Teatro Isauro Martínez, Sedes de la Alianza Francesa en La Laguna, Torreón, Coahuila; Monterrey, Nuevo León; D. F., México; Lille y Nord / Pas de Calais, Francia.

2003, Los artistas del año, Galería Arena México Arte Contemporáneo, Guadalajara, Jalisco, México.

2003, Just play, Discoteca Long Play, Alonso de Torres 1928 Norte. León, Guanajuato, México.

2003, Play parade, Fashion parade, discoteca Long Play, León, Guanajuato, México.

2003, Mamazita fashion / otoño-invierno 2004, Auditorio del Estado, Guanajuato, Guanajuato, México, dentro de los eventos del congreso de diseño Espacio Fenómeno.

2003, Office Killer / based on an unseen film by Cindy Sherman, Mesón de San Antonio de la Universidad de Guanajuato, Guanajuato, México, dentro de las exposiciones de artes visuales del XXXI Festival Internacional Cervantino.

2003, MiniMall, Galería de arte contemporáneo Casa Arte 3, León, Guanajuato, México.

2003, Pret-a-papier, performance en colaboración con Silvana Santibáñez y Leonardo Ramírez, presentado en P.E.R.R.A (Guanajuato, Gto), Mamazita Fashion (San Miguel de Allende, Gto.) y MiniMall (León, Gto.)

2003, P. E. R. R. A. / perversa espora reformable, reflejo automático, Fashion parade dentro del festival de arte contemporáneo Plataforma C, patio de la antigua Facultad de Relaciones Industriales de la Universidad de Guanajuato. Gto., México.

2003, Mamazita fashion, Fashion parade dentro del Festival Modas al Jardín, en la galería de arte contemporáneo Kunsthaus Santa Fe, San Miguel de Allende, Guanajuato, México.

2002, C: Tolerante / D: hombres, mujeres o quimeras, Café Spanglish, Plaza de la Paz 26, segundo piso, Guanajuato, Guanajuato, México.

2002, Link X, Museo de la Ciudad de Querétaro, Querétaro, México.

2001, Invasión extraterrestre, Salas Hermenegildo Bustos y Polivalente de la Universidad de Guanajuato, Guanajuato, México.

2001, FEM/ME/ Fashion emergency, muere por tu estilo, Fashion parade, dentro del proyecto Hábitat+Global, Mesón de San Antonio de la Universidad de Guanajuato, Guanajuato, México.